El planeta de los simios.


Demoledor y genial final que pretende una reflexión y lo consigue, todo un clásico que la Academia premió con un Oscar postumo a mejor maquillaje. Un buen guión y buena puesta en escena con planos inolvidables, y ese final como un Adan y Eva surgiendo del Génesis para contemplar el Ocaso. Oportunidad de partir de cero y esperanza como último recurso.

La descripción de la sociedad de los monos que se muestra en la película ataca las nociones de superioridad humana. En particular, los prejuicios religiosos de los monos sobre los humanos, pueden ser interpretados como un ataque al creacionismo y a la idea de hegemonía de la especie humana en la Tierra.

Lo que causó controversia fue el mensaje de la película; después de una guerra nuclear en toda la Tierra la mayoría de los seres humanos o todos acabarían sufriendo un terrible retraso cultural hasta comportarse como animales y se presentaría la oportunidad de que la siguiente especie en la escala evolutiva se desarrollara al grado de crear una civilización y dominar la tierra como lo hicieran los humanos, y estos últimos quedarían sometidos a la voluntad de los primeros. La película constituye una cruda y despiadada mirada sobre la naturaleza humana, capaz de conducir al exterminio a toda la civilización. Es importante para comprender adecuadamente la temática del film, recordar que fue rodada en plena guerra fría, días en que la amenaza de un holocausto nuclear se cernía sobre la población mundial en su conjunto a partir de la escalada armamentística de las, por ese entonces, dos superpotencias mundiales: Estados Unidos y la Unión Soviética.
La película fue nominada a los premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood en las categorías de mejor banda sonora y mejor vestuario.

Ganó un premio honorífico por la calidad del maquillaje, anteriormente ya he citado (en 1969 no existía esta categoría en los premios Oscar). El maquillaje había supuesto el 17% del total del presupuesto.

El éxito de este largometraje llevó a la producción de varias secuelas y protosecuelas, una serie de televisión y otra de historietas en los años sesenta y setenta.

Las secuelas fueron:

1970: Regreso al planeta de los simios (Beneath the Planet of the Apes).
1971: Huida del planeta de los simios (Escape from the Planet of the Apes).
1972: La rebelión de los simios (Conquest of the Planet of the Apes).
1973: La conquista del planeta de los simios (Battle for the Planet of the Apes).

No podía pasar por alto esta mítica peli después de hablar de “El último hombre vivo” asi que disfrutemos un poco de Charlton mientras, en estos momentos, reponen en televisión por enésima vez (y las que hagan falta) la enorme BEN-HUR.
http://www.youtube.com/watch?v=1GnE4bbKg80
http://www.youtube.com/watch?v=31K5F5aGtFo

El último hombre vivo

Título original: The Omega Man
Año: 1971
Director: Boris Sagal
Productor: Walter Seltzer
Música: Ron Grainer
Fotografía: Russel Metty
Interpretes: Charlton Heston, Anthony Zerbe y Rosalind Cash.

No puedo disimular mi pasión por las películas de los años setenta, a pesar de estar catalogada mayoritariamente como una cinta menor, sigue ganando enteros con el paso del tiempo, y es que poco a poco se esta convirtiendo en un clásico del género de ciencia ficción.
El gran Charlton Heston da presencia al film que sin duda alguna de no protagonizarla él hubiera sido otro cantar. Su amor por el rifle en la vida real tiene una “explicación” protectora de una “posible” catástrofe a nivel mundial, tan solo los mas fuertes y preparados podrán sobrevivir, y así es como el bueno de Heston parece que espera armado esa especie de jucio final. Sin duda un romántico redentor, ese carácter solitario de Robison Crusoe apocalíptico, le ha llevado a elegir papeles a lo largo de su carrera que pueden delatar un poco su perfil. Títulos como El Planeta de los Simios, The Omega man o Cuando el destino nos alcance.
http://www.youtube.com/watch?v=G8zlncDTTLU

El hombre que mató a Liberty Valance.


TITULO ORIGINAL The Man Who Shot Liberty Valance
AÑO 1962
DURACIÓN 119 min.
PAÍS EEUU
DIRECTOR John Ford
GUIÓN James Warner Bellah & Willis Goldbeck
MÚSICA Cyril Mockridge (AKA Cyril J. Mockridge)
FOTOGRAFÍA William H. Clothier (B&W)
REPARTO James Stewart, John Wayne, Lee Marvin, Vera Miles, Edmond O’Brien, Andy Devine, Jeanette Nolan, John Qualen, Woody Strode, Lee Van Cleef, Strother Martin, Denver Pyle
PRODUCTORA Paramount Pictures

Película de un grado de recomendación altísima para el que la visione por primera vez. Produce una serie de sentimientos indescriptibles para el disfrute de los buenos amantes del cine, me encantaría volver a sentirlo así, ahora cada vez que la veo, descubro en ella otras muchas lecturas y repaso con detenimiento los detalles de esa puesta en escena del maestro Ford.

Disfrutando de ella, uno tiene la impresión que es imperecedera, acontecimientos únicos que sobrepasan las barreras de lo que es cine o lo que es arte , ocurre pocas veces pero cuando pasa es como un milagro , durante días estos pequeños trozos de vidas se apoderan de tí, no te sueltan ,va creciendo en tu interior y nos hacen ser mejores. Esto me ocurre cada vez que veo una película que es ya leyenda, esto pasa con “El hombre que mató a Liberty Valance” .
Ford es un director único, quizás el más grande, su filmografía esta llena de joyas y dentro de ella, esta película ocupa un lugar principal; realizada casi al final de su trayectoria es como si este duro irlandés de espíritu quisiera ajustar las cuentas con su género favorito. Es curioso que el hombre que se movía con absoluta facilidad en todos los ámbitos declarará en el famoso Comité de Actividades Antiamericana – Soy John Ford y hago películas del oeste- . Su amor a los espacios abiertos, a las historias de vaqueros, de ganaderos, de caballos e indios , de pistoleros, es como una carta de naturaleza, creó un estilo, un mundo propio atravesado por una sensibilidad extraordinaria, por un amor a sus personajes que nos hace que estos sea tan cercanos.
Ford quizás conciente del final, construye un poema hacia ese viejo oeste que desaparecerá para traer el progreso, el ferrocarril, los sistemas de regadío… en fin, la nueva civilización encarnada en el abogado Ramsom Stoddard (magistral Stewart) Pero los sentimientos, la gratitud estarán siempre a lado de Tom Doniphon ( inconmesurable Wayne), el hombre que sacrificará todo por el amor a una mujer. Construida con una planificación teatral, casi sin aprovechar los grandes espacios, Ford se refugia en unos personajes a los le da una aliento vital absoluto, que crecen en cada fotograma . Desde ese villano simbólico llegando a la desmesura, hasta el periodista que recita Enrique V de Shakespeare momentos antes de ser ajusticiado por la vilezas y ruindad del salvaje oeste, el director de Pasión de los fuertes, construye una obra clave para entender la desaparición de una forma de vida. Y así de despide de ella y nos la brinda a nosostros como homenaje.

Horizontes de grandeza


Toda una epopeya del mundo del western, descubriendo un oeste lleno de dificultades, aventura y oportunidades a lo largo del camino. Equipo de dirección y reparto espectacular. Cuenta la historia de un capitán de barco que se enrola en el mar de las adversidades de un mar polvoriento y duro, oleaje de odio, celos y peligrosos rivales. Al verse empujado hacia la resaca de este remolino de pasiones, decide no sólo salvar su vida, sino también la de la mujer que ama. Ganador de cuatro Oscars, William Wyler dirige esta película de aventuras que ha sido calificada como “una obra de arte”. Protagonizada por Gregory Peck, Charlton Heston, Jeans Simmons, Chuck Connors y Burl Ives, esta magnífica película al más puro estilo del Oeste, llena de acción, drama y suspense te quitara el aliento, tan solo escuchar su banda sonora te sumerge en este oceáno sonoro de una vida que se abría paso entre tierras inhóspitas, aquellas que hoy seguimos añorando.
http://www.youtube.com/watch?v=x0vYGlq6edU

Duelo al sol.


En un arrebato de celos, Scott Chávez ha dado muerte a su mujer, una india de Texas con la que tiene una hija, bellísima mestiza, llamada Perla (Jennifer Jones). Al ser detenido y condenado a muerte, de Perla se hace cargo una lejana prima de su padre, esposa de un viejo senador dedicado a la explotación de su extenso rancho. El matrimonio tiene dos hijos: Jesse y Lewt, muy diferentes en todo. Jesse es un joven formal y estudioso, mientras Lewt es un rudo ‘cowboy’. Los dos hermanos, cada uno a su manera, se enamoran de Perla.

Cuando Jesse rompe con su padre y se marcha del rancho, Lewt aprovecha para seducir violentamente a Perla, engañándola con la promesa de matrimonio. Ofendida, la joven se hace novia de un vaquero empleado en el rancho, al que Lewt provoca y acaba matando. Al poco tiempo debe huír a las montañas perseguido por la ley. Desde allí manda recado a Perla para que se una a él y huyan juntos a México, pero ella acude a la cita armada con un rifle.

Superwestern de metraje extenso pero necesario, en donde se nos expone un Oeste atípico con aires de tragedia griega, por ese drama familiar representado por el bien y el mal de dos hermanos completamente opuestos. Trasfondo bíblico de estos Caín y Abel trasladados al Génesis de una América en extensión de familias pioneras y colonos con ansias de poder. En este caso el bien y el mal surgidos de una misma semilla y enfrentados por ser tan diferentes que el amor de una mujer siempre fue la excusa perfecta.
Gregory Peck en un formidable papel de villano y chulesco vaquero, a la vez de atrayente, la antítesis su hermano formal, noble y aplicado.
A destacar la famosísima y archiconocida escena final de las rocas, memorable pasión desenfrenada.
Os dejo con otro buen clip, el de la doma del caballo…pero la pregunta es ¿Quién doma a quién? 😉

El Dorado (Eldorado).

TITULO: El Dorado
TITULO ORIGINAL: Eldorado
PRODUCTORA: Paramount Pictures
PRODUCTOR: Howard Hawks
DIRECTOR: Howard Hawks
INTERPRETES: John Wayne, Robert Mitchum, James Caan, Charlene Holt, Paul Fix, Arthur Hunnicutt, Michelle Carey, Christopher George
GUION: Leigh Brackett
MUSICA: Nelson Riddle
FOTOGRAFIA: Harold Rosson (Color)
MONTAJE: John Woodcock

Un caballero alegre y audaz
de día y de noche cabalgando va,

y canta su canción
mientras sigue osado
en busca de “El Dorado”,

Montes de luna cruzando
bajando a valles de sombra
y siempre cabalgando.

Poema que recita el jóven Mississippi interpretado por James Caan, ante la mirada de un cascarrabias y entrañable Cole Thornton (John Wayne).

No puedo disimular mi entusiasmo ante este western, uno de mis favoritos.
Howard Hawks, consciente de su decadencia, cuando contaba con 71 años, retomó la historia de Rio Bravo , de la que confesaría que era lo bastante buena como para repetirla. Cuando compraron los derechos de la novela en la que está basado el guión, la primera impresión del director era que se desprendía de la obra una gran tragedia, así que decidió modificarla hasta convertir el guión en un western con mucho sentido del humor. El argumento de Eldorado está basado inicialmente en la novela de Harry Brown “The Stars in Their Courses”, una tragedia en la que morían muchos personajes y había un sufrimiento generalizado. Al equipo de guionistas se incorpora su habitual colaboradora Leigh Brackett, quien tuvo una participación muy activa aunque su nombre no figure en los títulos de crédito. Primero deciden cambiar muchas cosas y dejar sólo, prácticamente, las escenas de violencia en que Wayne dispara al chico en la roca y en la que el protagonista es herido. La idea era comenzar con una tragedia para acercarse gradualmente al terreno de la comedia, algo que molestó mucho al autor del libro. La idea de centrar el desarrollo argumental en torno al alcoholismo de Harrah (Robert Mitchum) fue una decisión de última hora.

El título de Eldorado hace alusión a un poema de Edgar Allan Poe. Aunque algunas escenas se filmaron en estudios, la mayor parte del rodaje transcurrió en Tucson, en los mismos escenarios de Rio Bravo, y duró exactamente 36 días, desde finales de diciembre de 1965 hasta principios de febrero de 1966. Existía un mayor número de localizaciones, y eso la diferenciaba de su antecesora, acudieron a espacios abiertos y escenarios naturales de los alrededores de Tucson y Nogales. Los interiores se realizaron en Hollywood durante nueve semanas. Los presupuestos de producción sumaron casi el triple de los de Río Bravo. El rodaje transcurrió en los mismos escenarios y el reparto era muy parecido, pero la cotización de los actores y técnicos se había disparado y la construcción de los decorados era una de las partidas económicas más costosas. Hawks recuerda que para construir una pequeña choza de dos paredes tuvieron que pagar 14.000 dólares, mientras que en 1958 no habría alcanzado los 8.000.
El cineasta quería una fotografía en la que la oscuridad dominase la segunda mitad de la historia. A partir del reencuentro entre los dos amigos apenas existen escenas diurnas y las que transcurren a la luz del sol se desarrollan en interiores. Para efectuar el trabajo de iluminación, el equipo contrató a un profesional llamado Harold Rosson, quien centró gran parte de su trabajo en iluminar los rostros y dotarlos de una cualidad plateadanunca vista en los westerns americanos. La fotografía de Eldorado es mas luminosa que la de Río Bravo, sus colores azulados frente a los ocres de la segunda la convierten eb mas alegre y cercana a la comedia. Estamos ante una obra auténticamente hawksiana en la que sus constantes más relevantes están presentes: la amistad, la profesionalidad y el sentido del humor.

Eldorado podríamos calificarla como una revisión de Río Bravo con idéntico argumento personajes e incluso intérprete (John Wayne); sin embargo existe un cambio sustancial que viene dado por la edad de sus protagonistas y sus consecuencias más directas. Aunque Noël Simsolo afirme que es un cineasta que se repite, también es cierto que cada película es sustancialmente diferente. Acertadas palabras son las que Casas escribe cuando afirma que “sus películas no se cierran en sí mismas, sino que perviven unas en otras”.
Hawks no duda en retomar secuencias, acciones y frases que nos harán saltar de un título a otro, sus inclusiones en otras películas son constantes y, a veces, se convierten en auténticas citas textuales que inserta porque sabe que provocarán efectos diferentes. Muchas de sus ideas las repite cuando considera que es beneficioso para el film y nunca ha negado su predisposición a inspirarse o copiar ideas de algunos compañeros a los que él siempre admiró, como fueron John Ford o Josef von Sternberg.

El director confiesa que cuando preparaba el rodaje de Rí Bravo se le ocurrían multitud de ideas que , si bien no encajaban, eran bastante buenas; lejos de rechazarlas definitivamente y tirarlas a la papelera, las escribía y las guardaba para otra ocasión mejor. Esta fue la razón que le llevó a repetir enl mismo argumento en Eldorado; utilizó idéntica trama pero introduciendo variantes que había pensado para su wstern anteriory que ahora podían integrarse mejor en la historia. A veces tenía ideas contradictorias que lógicamente no podía utilizar; cuando escribía el guión de Río Bravo se le ocurrió incluir un personaje jóven que fuese, al mismo tiempo, un pistolero hábil y rápido y un tipo que nunca hubiera utilizado una pistola. Evidentemente eran ideas irrenconciliables y tuvo que optar por uno de los dos, decantándose finalmente por el primero, personaje que interpretaría Ricky Nelson.
La escena en la que James Caan se arroja en mitad de la calle para evitar los disparos de los hombres de Bart Jason, la rodó para Río Bravo, pero tuvo que quitarla y esperar siete años para incluirla en su siguiente western.
El cineasta siempre ha negado que Eldorado sea un remake de Río Bravo en el sentido estricto del término, como posteriormente lo negaría también de Río Lobo.
En definitiva, diálogos extraordinarios y un decorado que crea una atmósfera cálida y familiar que invita a quedarte en aquel lugar fronterizo.
Recuerdo una conversación que me hizo mucha gracia, cuando Cole lleva a Mississippi a comprar un pistolón de cañones recortados a un armero al que llama “sueco”, al ver semejante arma dice Cole, “Vaya… ¿Qué sector cubre su rociada?” a lo que responde el sueco “¿Qué quieres decir?”, y Thornton responde… “Que cuanto alcance tiene”. MAGNÍFICO 😆 y al final de la charla Thornton dice a Mississippi: “¡Págale!” 😀

Las relaciones de amistad son muy importantes en esta película y su modo de enfoque muy particular, “Valiente amigo, pretender que uno tenga que hacer lo que él quiera”. Esta frase, pronunciada por Robert Mitchum es la que mejor podría definir el concepto de amistad, tal y como lo entiende Howard Hawks. El respeto, la aceptación incondicional y la libertad del individuo son, por encima de todo y a cualqier precio, los valores mas apreciados para el director norteamericano.
John Wayne podría haber estado con un bando o con otro, y tiene que incluirse en uno antes de decidirse. Lo que mueve a Wayne es su amistad por Mitchum y su deuda a la familia McDonald mas que su juicio de qué es lo que sucede en esta guerra de acuerdos.
La ayuda del grupo hacia uno de sus miembros siempre está encaminada a recuperar la autoestima perdida, retomar los valores morales y el reencuentro con el propio honor. No existen acciones que apunten a otro blanco, porque lo que más valoran sus individuos son el respeto y la honestidad. Cuando Mississippi pregunta a Thornton si hace bien dejando entrar al Sheriff en la cantina sin nadie que lo acompañe, éste le recuerda que su honor está herido. Es evidente que Thornton se preocupa por la integridad psíquica y no por su seguridad física. Ahí es donde su amistad y admiración hace que sea necesaria que su verdadera ayuda interviene en dejarle actuar solo.
En la primera parte Cole Thornton ayuda al Sheriff, en la segunda será éste quien cuide de aquél. Es lo que sucede cuando Cole, con el brazo derecho inutilizado, decide ir a la cantina para enfrentarse a los hombres de Bart Jason. En todo momento, el Sheriff es consciente de la necesidad que tiene su amigo de demostrarse a sí mismo que aún sigue siendo útil, y a pesar del riesgo que conlleva su acción, no intenta disuadirlo de la decisión tomada. El universo masculino toma una actitud viril entre sus personajes y evita todo signo de debilidad.
Las acciones físicas y verbales también revelan y subrayan la estabilidad de una vieja amistad. En un breve episodio de El Dorado, Thornton le arroja un cubo de agua a John Paul Harrah para que despierte de una gran borrachera. Cuando éste abre los ojos extiende los brazos y le pide a Wayne que lo ayude a levantarse, pero mientras se incorpora, Mitchum aprovecha un momento de descuido y le atiza con un puñetazo que le será devuelto por su amigo al precipitarle una cazerola en la cabeza. La secuencia posee un tratamiento humorístico, pero resulta muy reveladora porque de ella podemos extraer un doble conclusión: la necesidad que tiene el Sheriff de ser ayudado y la resistencia a recibir ayuda. Idea que completará mas tarde cuando Mitchum, tras haber ingerido un explosivo cocktail lavativo, se dispone a beber alcohol, no sin antes advertir que nadie se atreva a impedírselo.
El mundo de los objetos, siempre presente en la obra de Hawks, también se convierte en una de las herramientas más usadas para crear metáforas visuales que refuercen los lazos masculinos. Entre ellos, el cigarrillo como dispositivo social, la cerilla y el humo han servido para revelar la empatía y la proximidad espiritual.


EL DVD

Imagen:

La película viene presentada en su formato original de pantalla 1.85:1 y el transfer es anamórfico.

La nitidez es bastante buena considerando la edad de la película. La calidad de detalle de las sombras es menos buena pero también más que suficiente.

El color presenta una calidad notable con tonalidades muy naturales y una presencia en general más que notable. Los colores son todos muy buenos, tanto los claros como los oscuros.

No hay nieve en la imagen casi en ningún momento, aunque por el contrario si que se encuentran otro tipo de defectos como manchas y pelos, opero son defectos mínimos y que no molestan gran cosa. La película aunque no se ha limpiado a la perfección, si que está lo suficientemente trabajada.

El contraste es magnífico, y aunque parezca raro presenta un mejor aspecto en las escenas nocturnas que en las diurnas. La visión en los momentos más oscuros es muy buena y no hay dificultas para ver perfectamente todo lo que pasa.

La transferencia al DVD es correcta, el alisamiento está presente en la película casi siempre aunque en unos niveles muy controlados y no molesta gran cosa. Por el contrario si que hay problemas algo más serios con el Edge Enhancement, aunque tampoco es un factor demasiado molesto. Hay algo de pixelización por momentos. Los filtros utilizados para eliminar el grano de la imagen causan algún que otro inconveniente, siendo éste el aspecto más negativo de la edición en el apartado de la imagen.

No existe grano en ningún momento de la película. Presenta un aspecto bastante suave.

Sonido.

El sonido viene presentado en mono tanto en inglés como en español.

La versión original presenta un sonido muy correcto con una buena calidad para ser mono, con una profundidad sonora aceptable y una buena riqueza tonal que da una mayor presencia a todos los diálogos. A pesar de que el sonido es mono y por tanto la banda sonora no puede tener la calidad de un buen estero o un Dolby Digital 5.1 si que por lo menos cumple de sobra tratándose de una película de esa antigüedad.

El problema más importante de esta edición en cuanto al sonido se refiere es la presencia de una importante cantidad de ruido de fondo que a veces llega a molestar bastante. Si dispones de un control de agudos es posible que tengas que bajar un poco el nivel para eliminar el ruido de fondo.

La banda sonora en español como siempre no se ha tratado en absoluto y presenta un sonido de mucha menor calidad, como siempre también parece enlatado, sin profundidad y con muy poca variedad tonal. Más de lo de siempre en lo que se refiere a clásicos. Por el contrario no hay problemas con el ruido de fondo.

Los diálogos se escuchan sin ningún problema en ambas versiones.

El doblaje es bueno en lo que se refiere a la calidad de las voces, aunque en cambio lo que se dice a veces no tiene absolutamente nada que ver con lo que se dice en la versión original. Un ejemplo: el nombre de Robert Mitchum en la película es J. P. Harrah mientras que en español lo convierten en un tal John Paul Harrah . Además al principio de la película en la versión doblada desaparece la canción inicial de El Dorado que se queda en un número instrumental mientras que en la versión original tiene letra. Al doblarla se producen situaciones ridículas porque ya todos hablan español y el que un personaje traduzca a otro personaje lo que se dice en español al inglés, al doblarlo tiene que traducir algo que ya se ha dicho en español también al español y queda algo ridículo.

Los subtítulos son flojos y cambian el significado de algunas palabras sin ninguna razón. No obstante la película se sigue bien, aunque no estaría de más traducir más literalmente y no modificar lo que se dice. Pondré otro ejemplo, en un momento Mitchum dice lo siguiente: “¿Te gustaría ponerle música, con toda una orquesta?”, pues bien, eso lo subtitulan así: “¿Quieres ponerle música para acentuar el drama?”. Como veis la frase ocupa prácticamente lo mismo, así que no es un problema de espacio para el subtítulo, de modo que no me explico las ganas que tienen a veces de volver a escribir la película con los subtítulos, con lo fácil que debe ser ceñirse al original.

La película viene presentada en un DVD 9 (1 cara y 2 capas), con el cambio de capa en el minuto 58 y 56 segundos. Aunque no es perfecto porque el personaje aunque está quieto tiene que responder a una pregunta y nos quedamos a la espera, tampoco el peor de todos.

En definitiva una película imprescindible para todo amante del cine, me quedo con muchas secuencias… pero destaco el comienzo del film con esa música y el gran Robert Mitchum caminando por el medio de la calle rifle en mano.

Un abrazo cinéfilos.–

http://www.youtube.com/watch?v=d43eIStdijk

Rio Bravo


La historia de Rio Bravo esta escrita por el propio Hawks en colaboración con Jules Furthman y Leigh Brackett, apartir de la narración de B.H. McCampbell, y en ella esta presente toda la tipología del western, incluida la del cowboy cantante; solo falta la presencia india.
Para ello eligió un reparto idóneo que estuvo encabezado por John Wayne, quien aceptó el papel inmediatamente. En cuanto a Dean Martin, tenía un interés enorme por interpretar al borracho y alejarsé así del cliché de galán cantante que venía soportándolo desde hacía ya unos años. Ironías de la vida, el cliché no desaparecería y el de borracho se añadiaría a su lista, si es verdad que nunca llegó a ser el bebedor que siempre se creyó, e incluso explotó esa imágen porque le resultaba divertida, y en algunos shows de Las Vegas bebía cantidades desorbitadas de zumo de uva haciéndo creer al público que era whisky. El primer encuentro entre actor y director fue curioso, y Martin llegó tarde, pero había una poderosa razón, estaba trabajando en Las Vegas y tuvo que alquilar una avoneta para presentarse ante él. Hawks pensó que que realmente estaba interesado en el papel y rápidamente le mandó elegir vestuario. Para el tercer personaje eligió a un jóven cantante de country, Ricky Nelson. Su aspecto aniñado era idóneo para encarnar al jóven pero experimentado pistolero. Colorado es ya, a pesar de su corta edad, un hombre que sabe lo que quiere. Hay una típica resistencia del grupo en lo que a su adaptación se refiere, sin embargo en la escena de la cárcel cuando los cuatro están reunidos, y cantán es determinante para percibir su completa integración. My Rifle, My Pony, an Me fue un tema musical de gran éxito que ayudó en la carrera comercial de la película.

Como dice Quim Casas, parece que el relato queda suspendido, como si fuera de la cárcel ya no estuvieran esperando los matones de Burdette y la vida se hubiese detenido en la localidad fronteriza de Rio Bravo.
La enorme popularidad de Ricky Nelson llegó a eclipsar a la estrella de la película John Wayne, en ciertos paises donde el film era conocido por la intervención del jóven cantante ,más que por la indiscutible popularidad del Duke. Sin duda fue un efecto de moda mas que otra cosa, y que el bueno de Nelson tuvo su momento de gloria.
Howard Hawks quería conseguir una puesta en escena fresca y vital, y no dudó en utilizar la improvisación y la sorpresa. En cierta escena, Walter Brennan imita a John Wayne y es observado por la atónita mirada de Dean Martin, quien no estaba informado de que la acción se iba a desarrollar de ese modo. Hay algo en su mirada que dice que le pilla totalmente desprevenido.
Rio Bravo es una obra maestra, también una de las mas homenajeadas y citadas por otros directores como Gus van Sant en “Mi Idaho privado (My Own Private Idaho, 1993)”. El film tuvo un gran éxito en todo el mundo, las recaudaciones de la época fueron espectaculares, en Japón recaudó más de medio millón de dólares en su estreno y en Polonia fue elegida la mejor película del año. Todo un lujo, un tesoro del celuloide.
http://www.youtube.com/watch?v=l2OHR0F5GIo&mode=related&search=

Blade Runner (25 aniversario)

25 años de Blade Runner, añoranza de frios corazones replicantes que pueden ser cálidos como el de Sean Young, belleza delicada de blanquecina piel tersa y ojos tristes de suaves facciones. El saxo de un futuro ya casi inmediato ralentiza las prisas nocturnas de un 2019, que poco a poco llega en forma de lluvia azul. Lluvia de neón y robots que pueden sentir mas que el viejo humano, desgastado y fatal. La noche alberga oscuros refugios en busca de algo que ya nadie encuentra… llueve sobre Rutger Hauer lágrimas de vacío y en el callejón de al lado, Harrison Ford empuña la decepción enamorada que Sean olvidó en recuerdos inexistentes del pasado.
http://www.youtube.com/watch?v=lad3ZlzPD4k

Deliverance. (Defensa).

Cuatro amigos camino de un amargo destino en lo que parecía un apacible fin de semana. Imprescindible en mi videoteca: Supervivencia, amistad, crudeza… y llega el momento del duelo, un duelo de banjos, tal vez el único momento agradable y relajado de aquella excursión maldita. Surge el extraño y genial chico de la cabaña para retar a Ronnie Cox, bajo la atenta mirada de John Voight y Burt Reynolds, se funden en un duelo de cuerdas para deleite de nuestros oidos… despúes el chico volverá a aparecer sobre un puente… pero será para despedirles. Sabía lo que les aguardaba.
http://www.youtube.com/watch?v=esl2NNOtHQE

Eva al desnudo

“No te preocupes por el corazón, Eva. Siempre podrás poner ese trofeo en su lugar”

La película se llevó 6 merecidos Oscar: mejor actor secundario, mejor director, fotografía, guión, vestuario y sonido. Y los que se quedaron por el camino: dos a mejor actriz principal (Anne Baxter y Bette Davis), dos a mejor actriz secundaria (Celeste Holm y Thelma Ritter), dirección artística, montaje, música… Y para los que no les gusten los Oscar, pues también Mejor Actriz y Premio Especial del Jurado en Cannes, un Globo de Oro a Mankiewicz…

Estratosférica interpretación de Bette Davis: los ojos más maravillosos que ha dado el cine. Ofrece una lección de cómo actuar en el teatro para el cine. Toda su interpretación es un esfuerzo por decirnos que lo que hace es artificioso, casi falso, pero que la cámara lo podrá hacer, y lo hace, verdadero. Genial.
Aparece Marilyn Monroe y deja entrever en su papel de chica tonta lo magnifíco que será su futuro.
George Sanders, genial en su rol de crítico que está por encima del bien y del mal.
Magnificos diálogos sobre la amistad, el teatro, el cine, las ansias de triunfo, los anhelos por la eterna juventud…Todo ello se echa de menos en el cine actual.
Eva Harrington, todo lo sacrifica por conseguir el éxito, Margo Channig, la reina del teatro que ve como se le escapó su juventud y lucha por entrar con dignidad en la madurez. Sobre este tema son estupendos, tambien, los diálogos.
Flojo el final, demasiado convencional e improvisado.
En todo caso, un gran clásico para disfrutar de él.
Pero creo que por encima de la película incluso esta la Davis.
http://www.youtube.com/watch?v=_JgLpuN3xVA