Autor: marco

Britt, el espigado y enigmático pistolero lanza cuchillos, fue el carismático James Coburn. Nació en Laurel Nebraska el 31 de agosto de 1928 – y falleció de un ataque al corazón en su casa de Beverly Hills, California, el 18 de noviembre de 2002.

Estudió interpretación en Nueva York con Stella Adler. Coburn apareció en varios westerns menores antes de interpretar el papel de Britt en el mega-éxito de John Sturges que nos ocupa. Sturges volvió a confiar en Coburn para su siguiente superproducción, La gran evasión (1963). De golpe se veía en dos éxitos impresionantes, un trampolín para su carrera al igual que le sucedió a McQueen y Bronson.

En los 60 comenzó a trabajar con el enfant terrible de Hollywood Sam Peckinpah, un dualismo que fructificó. A finales de los 60, hizo gran amistad, entrenó y planeó realizar una película con la leyenda de las artes marciales Bruce Lee, pero la repentina muerte de Lee truncó el proyecto. También tuvo amistad con McQueen (ambos muy amigos de Bruce Lee) con Bronson y con Andy García, que en sus últimos años hicieron buenas migas.

Coburn destacaba por desarrollar papeles de personajes enigmáticos y turbulentos. Algo que, sin duda supo moldear el bueno de Peckinpah. Ejemplo de ello tenemos la fenomenal película “La cruz de hierro” prodigioso filme. (Hablé de él en mi blog)

En la década de los 70, James Coburn trabaja de nuevo con Sam Peckinpah y con Charles Bronson. A finales de la década, se le diagnosticó artritis reumatoide, lo que afectó a su salud y a su trabajo durante muchos años, hasta que mediante una automedicación basada en compuestos orgánicos de sulfuro logró una mejora definitiva.

A principios de los 80, el creador de la mítica serie El Equipo A, Stephen J. Cannell, se puso en contacto con él para que interpretase el papel de John «Aníbal» Smith, el protagonista. James denegó la oferta, y el papel fue a parar, como todo el mundo sabe, a George Peppard, que era el siguiente en la lista de Cannell. En los 90 aparecía de nuevo en películas y en producciones televisivas.

Probablemente, James Coburn fue el primer sorprendido cuando fue candidato, y ganó, al Oscar al mejor actor de reparto por interpretar al alcohólico padre de Nick Nolte en Affliction (1997).
A los 70 años de edad, James Coburn recibió un nuevo impulso en su carrera, apareciendo en 14 títulos hasta que en noviembre de 2002 falleció repentinamente, justo cuando el cine era un continuo homenaje para él, sus últimos días fueron un justo y merecido tributo a su trabajo.
Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Angeles, California. Descanse en paz, un hombre que forma ya parte de nuestra memoria.

En “Los siete mágníficos” encarna a un poco hablador «Britt» que sin embargo parece haber compartido buenos momentos con Chris Adams, es un tipo solitario pero fiel a la causa. Su mirada y su templanza impresionan.
Filmografía destacada:

• Ride Lonesome (1959)
• Face of a fugitive (1959)
• Los siete magníficos (1960)
• The murder men (1961)
• La gran evasión (1963)
• Charada (1963)
• The man from Galveston (1963)
• Kings of the sun (1963)
• La americanización de Emily (1964)
• Major Dundee (1965)
• A high wind in Jamaica (1965)
• The loved one (1965)
• Our man Flint (1966)
• ¿Qué hiciste en la guerra, papi? (1966)
• Dead heat in a merry-go-round (1966)
• In like Flint (1967)
• Waterhole #3 (1967)
• The president´s analyst (1967)
• Duffy (1968)
• Candy (1968)
• Hard contract (1969)
• Last of the mobile hot shots (1970)
• ¡Agáchate, maldito! (1971)
• The Carey treatment (1972)
• The honkers (1972)
• Una razón para vivir y una para morir (1972)
• Harry in your pocket (1973)
• Pat Garrett y Billy the Kid (1973)
• The last of Sheila (1973)
• The Internecine project (1974)
• Bite the bullet (1975)
• Hard times (1975)
• Sky raiders (1976)
• The last hard men (1976)
• Midway (1976)
• Cross of iron (1977)
• Firepower (1979)
• The Muppet movie (1979)
• Goldengirl (1979)
• The Baltimore bullet (1980)
• Loving couples (1980)
• Mr. Patman (1980)
• High risk (1981)
• Looker (1981)
• Martin’s day (1984)
• Death of a soldier (1986)
• Call from space (1989)
• Young guns II (1990)
• Hudson hawk (1991)
• Deadfall (1993)
• Maverick (1994)
• The set up (1995)
• Skeletons (1996)
• Eraser (1996)
• El profesor chiflado (1996)
• Keys to Tulsa (1997)
• Affliction (1997)
• The good doctor (2000)
• Intrepid (2000)
• Monstruos S.A. voz (2001)
• Proximity (2001)
• Yellow bird (2001)
• The man from Elysian fields (2001)
• Snow dogs (2002)
• American gun (2002)
Premios

• Oscar al mejor actor de reparto por Affliction (1997)
• Candidato a los premios del sindicato de actores como mejor actor secundario por Affliction (1997)
• Candidato al Independent Spirit al mejor actor secundario por Affliction

Heath Ledger, 28 australianos años de prometedor futuro esfumados en una cama del pijerío manhattanesco del Soho. Encontrado inconsciente, triste y frío en su apartamento, descubierto por el portero del inmueble, testigo mudo de fatal desenlace y reanimando ya tarde al romántico actor. Pastillas junto a su cuerpo y sobredosis de sueños imposibles, evasión absurda de una juventud acelerada en triunfos.

Ledger vió su liz interpretativa 1999, Heath era un actor enorme y está muerto. Se descubrió al mundo con «El patriota» dejó claro que venía al cine para quedarse. Se trataba del tú a tú más incómodo para Mel Gibson, se comía la pantalla… En «Monster’s ball» y en «Casanova» reafirmó su poderío como actor. Pero en Brokeback mountain… En Brokeback mountain dio una lección imperecedera.

En 2005 reconocimiento Brokeback Mountain, de Ang Lee, aquel vaquero de Wyoming de amores posibles sintió a cupido en Jake Gyllenhaal, flecha de amor y nominación merecida que finalmente arrebató de sus manos Philip Seymour Hoffman por un celoso genio feo Truman Capote.

Paradójicamente, el último trabajo que veremos del chico que casi nunca sonreía será el del villano que siempre sonríe. Su Joker en la última entrega de Batman, que se iba a estrenar en agosto, se presenta ahora más escalofriante si cabe. Heath Ledger. El hombre que casi nunca sonreía… nos ha dejado la seriedad eterna de su gran cine.
Descanse en paz.

Abro un pequeño paréntesis para agradecer vuestro seguimiento, muchas gracias por vuestras 200.000 visitas y que sean muchas más. Os he dedicado este video. MIL GRACIAS, y que el cine os siga llenando de ilusiones, seguimos soñando juntos:

http://es.youtube.com/watch?v=zvXdaVQ5szw

“Chico” fue Horst Buchholtz. Nació el 4 de diciembre de 1933 en Berlín.

Se inició en el teatro, género en el que permaneció hasta que Julien Duvivier le hizo debutar en el cine con Marianne de ma jeunesse, 1955. Pronto alcanzó la fama en su país con Himmel ohne sterne (H. Kautner, 1955) y Die halbstarken (Georg Tressler, 1956). A partir de entonces interpretó películas dirigidas por Tressler (Das totenschiff, 1959), Kurt Hoffmann (Die bekenntnisse des hochstaplers Felix Krull, 1957), Rolf Hansen (Resurrectión, 1958), Kautner (Monpti, 1957), etc. Algún tiempo después residió en Gran Bretaña donde rodó La bahia del tigre (J. Lee Thompson, 1959). En su etapa estadounidense, dio un giro a sus personajes-tipo interpretando papeles de mayor dureza: Los siete magníficos (J. Sturges, 1960), Uno, dos, tres (B. Wilder 1961), Fanny (J. Logan, id.) Nueve horas de terror (M. Robson, 1963). Trabajó con Bette Davis en La noia (D. Damiani, 1963). Cuando regresó a Europa, apareció como protagonista de algunas superproducciones como La conquista de un imperio (D. de la Petelliere, 1965) y Cervantes (V. Sherman, 1968). Desde entonces se dedica más al teatro y sólo ha aparecido en el cine en contadas ocasiones, en algunas películas de Andrew L. Stone (una nueva versión de El gran vals, 1972), de Alfred Weidenmann, Rolf Thiele, Zanussi y Kershner (Brigada antisecuestro, 1976) y en La Vita è Bella (1997). El 7 de diciembre de 1958 contrajo matrimonio con Myriam Bru.
Al parecer, se criticó mucho al director por otorgarle tanto peso en la película al joven «Chico», mientras que el resto de actores quedaban algo relegados. Por lo visto, Sturges pensaba que el pistolero joven sería el preferido por el espectador, cosa que luego no fue así. Como curiosidad mencionar que este actor alemán interpretó años después a Miguel de Cervantes en una producción española dirigida por Vincent Sherman, junto a Gina Lollobrigida.

Uno de los motivos que casualmente motivaron su salida de Berlín, fue cuando siendo niño tuvo que escapar debido al asedio ruso de la ciudad en plena II Guerra Mundial, fue una decisión de su padre, un humilde tendero. Y lograron salir de aquel infierno. Años después volvió para quedarse siendo ya toda una estrella de cine.

Falleció a los 70 años en 2003 en su ciudad natal Berlín, tras una larga neumonía.

Contaba con 27 años cuando interpretó al pistolero valiente “Chico”. Fue doblado al castellano por Miguel Ángel Valdivieso. Un prestigioso actor de doblaje que ha dado la voz a Woody Allen en 13 o 14 ocasiones.

Aquí, una de sus últimas fotografías:

Ya escribí sobre él con aquel título «Steve McQueen el carácter de la ambición»
http://www.noticiasdenavarra.com/comunidad/foros/weblog_entry.php?e=456

Vin, ese es el nombre en la peli de Steve McQueen, qué decir de mi otro actor favorito después de Paul Newman, su actuación de los 7 M. fue memorable, casi se come al bueno de Yull, esta enorme, tiene varios detalles (que para nada entraban en el guión) que maravillaron al director Sturges. Uno de esos momentos es cuando, al principio suben a la carreta, McQueen agita los cartuchos de la escopeta en su oído antes de cargarlos, ante la atónita mirada de Brynner que no se lo esperaba. Otro detalle es cómo mide el sol con su sombrero, se le ve con ganas, pura ambición, algo que explicaba muy bien su amigo Vaughn, que se lo pasaba pipa. Por aquel entonces la estrella consagrada era Brynner y la máxima obsesión de McQueen fue continuamente superarlo. Tuvieron una rivalidad muy fuerte durante el rodaje, pero siempre sana. Los piques eran continuos e incluso cuenta Vaughn con sentido del humor como esa rivalidad de las estrellas se trasladaba fuera del rodaje. «Un día steve me despertó a las 5 de la mañana, entró a mi habitacíon y me dijo: ese calvo cabr… has visto que pistola tiene y su caballo parece un elefante!,” sin duda esa era la diferencia entre una estrella y yo, ellos duermen con dificultad yo dormia a pierna suelta». Nos relata Robert Vaughn.

El papel se Steve esta hecho a su medida, pues tiene el registro idóneo para poder sacar lo mejor de sí mismo, como así lo hizo ya que el peso lo lleva Yull, cosa que nuestro rubio actor lo aprovecha a las mil maravillas, fue su trampolín a la fama definitiva.
Nació en Beech Grove, en el estado de Indiana, el 24 de marzo de 1930 con el nombre Terence Steven McQueen. Nunca llegó a conocer a su padre, quien abandonó a su esposa e hijo poco después de nacer. Esto lo afectaría en su desarrollo emocional toda la vida.
McQueen creció en el estado de Misuri, en la casa de su tío, a donde su madre le había llevado. A los 12 años, era un joven muy rebelde y su tío le encomendó volver a vivir con su madre, que se había instalado en Los Ángeles.
Dos años después su madre le envió a un reformatorio, al verse incapaz de educarlo. Pronto McQueen abandonó ese lugar y vagabundeó por diversos sitios, hasta que en 1947 se alistó en los Marines. Cuando abandonó el servicio cinco años más tarde decidió ser actor y comenzó a estudiar en la famosa escuela de interpretación Actor’s Studio en Nueva York, aprovechando la ayuda económica que el estado prestaba a los militares que se reincorporaban a la vida civil.

Finalizados sus estudios, en 1955 McQueen consiguió su primer papel en Broadway. Un año más tarde ya comenzó a actuar en el cine, inicialmente en papeles secundarios. En 1958 actuó como actor principal en The Blob (película que guardo con celo), y durante los dos años siguientes apareció en una serie de televisión, lo que le valió el reconocimiento por parte de la crítica.
La película con la que se convirtió en una estrella fue, no obstante, La gran evasión, rodada en 1963, si bien ya había ganado popularidad con películas como Los siete magníficos. Fue nominado al Oscar como mejor actor principal en 1966 por The Sand Pebbles «El Yang tzé en llamas” (1966) un film memorable con un papel hecho a su medida.

Volvió a tener un éxito sobresaliente con Bullitt. Mítica la peli de Peter Yates. A partir de entonces, McQueen fue combinando papeles de acción, como en la película de carreras de automóviles Le Mans, con papeles de carácter, como en Papillon, demostrando que además de estrella era un buen actor.

Después «El coloso en llamas», una de las mejores películas de catástrofe realizada en 1974, y en la que McQueen compartió el cartel con actores de la talla de Paul Newman, que por cierto la expectación era enorme por la posible rivalidad, y la exigencia previa de McQueen apareciendo primero en los títulos de crédito, cosa que se solucionó colocándolos a la par, una vez que comenzaron a trabajar juntos todo fue a las mil maravillas e incluso surgió una muy buena amistad, el rodaje estuvo repleto de bromas y risas. Poco después se retiró por unos años del cine.

Regresó en 1978 para actuar en An Enemy of the People, una apuesta personal de registro muy trabajado.

McQueen fue un gran aficionado de la adrenalina, de las motocicletas y de los automóviles de carreras. Amaba las máquinas y aprovechaba cada ocasión que se le presentaba para conducir él mismo los vehículos en las escenas de sus películas en las que había persecuciones de motocicletas o automóviles. En el transcurso de su carrera de actor llegó a considerar seriamente coonvertirse en piloto de carreras. Fue uno de los amigos personales del maestro de artes marciales Bruce Lee y se entrenó en Jeet Kune Do. Por cierto, y como curiosidad os diré que tanto McQueen como Coburn llevaron el feretro de Bruce Lee el día de su funeral.

Después de 1978 McQueen apareció sólo en dos películas. Murió el 7 de noviembre de 1980, a la temprana edad de 50 años, en Ciudad Juárez, México. La causa fue un ataque de corazón como consecuencia del intensivo tratamiento contra el cáncer de pulmón ya terminal al que estaba siendo sometido. Su vida sentimental fue siempre inestable, se había casado con su tercera esposa en enero de ese mismo año. Anteriormente había estado casado otras dos veces, una de ellas con la actriz Ali McGraw, en su peor época personal debido a las drogas. Ambos matrimonios habían terminado en divorcio. Con su primera esposa tuvo un hijo y una hija. Su última película fue “Cazador a sueldo” una alegoría de su propia vida como guiño final, dejando la puerta abierta a la vida con el nacimiento final de un hijo.

Filmografía:

Cazador a sueldo (1980)
Tom Horn (1980)
An Enemy of the People (1978)
El coloso en llamas (1974)
Papillon (1973)
La huida (1972)
Junior Bonner (1972)
Le Mans (1971)
The Reivers (1969)
Bullitt (1968)
El caso de Thomas Crown (1968)
El Yang-Tze en llamas (1966)
Nevada Smith (1966)
El rey del juego (1965)
Baby the Rain Must Fall (1965)
Amores con un extraño (1963)
Soldier in the Rain (1963)
La gran evasión (1963)
The War Lover (1962)
Hell Is for Heroes (1962)
The Honeymoon Machine (1961)
Los siete magníficos (1960)
The Great St. Louis Bank Robbery (1960)
Cuando hierve la sangre (1959)
The Blob (1958)
Never Love a Stranger (1958)
Somebody Up There Likes Me (1956)

En su primera peli (el griego) hace de amigo pandillero de Newman, en «Marcado por el odio».

Después de mi tributo a los doce del patíbulo qué mejor que seguir con más homenajes, esta vez a «los siete magnígicos», me saltaré a Charles Bronson del que ya he hablado.

Yuli Borisovich Bryner (conocido como Yul Brynner, (n. 11 de julio de 1920 – m. 10 de octubre de 1985)

En «Los siete magníficos» es «Chris»
Yull era ruso, nació el 11 de julio de 1920, más tarde se nacionalizaría estadounidense. Su padre fue un ingeniero e inventor llamado Boris Bryner (mitad suizo, mitad mongol), su madre la rusa Marousia Blagovidova, el nombre de Yull viene del de su abuelo Jules Bryner. Mas tarde añadiría una “n” a su apellido al considerarlo más artístico estéticamente. Fue educado en París, en el exclusivo Lycée Moncelle, y luego fue aprendiz de actor en el Theatre des Mathurins, con la supervisión de Jean Cocteau.

Comenzó su carrera en el mundo del espectáculo en París, a sus veinte años, como cantante de un nocturno, artista de pantomima y payaso trapecista. Fue fotografiado desnudo como modelo por George Platt Lynes.
En 1941 viajó a los Estados Unidos con una compañía teatral. Su primer paso a la fama fue con su representación teatral de The King and I («El rey y yo»), la cual representó 4.626 veces durante su vida artística. Con esta obra ganó un Oscar a la mejor interpretación, luego de que fuera llevada a la pantalla grande, coprotagonizada por Deborah Kerr, en 1956.
La apariencia un tanto exótica fue lograda con su carismática cabeza rapada, pues no era calvo; eso se puede comprobar en la película Salomón y la Reina de Saba, dirigida por King Vidor y coprotagonizada por Gina Lollobrigida.(De la que por cierto poseo una foto auténtica del rodaje, dentro de mi extensa colección fotográfica que con orgullo guardo) Todo esto hizo de Yul Brynner un actor cotizado para papeles de egipcio, rusos, mongoles y orientales en general.

Ese mismo año apareció en dos otras importantes producciones, Anastasia, junto a Ingrid Bergman (papel que le valió el Oscar a esta actriz sueca) y The Ten Commandments (Los diez mandamientos), donde interpretó a Ramsés II; posteriormente apareció en filmes considerados clásicos como The Magnificent Seven y Westland.
Además de su trabajo como actor, Brynner fue un fotógrafo activo y escribió dos libros. Su hija Victoria compiló en otro libro sus fotografías familiares, de amigos y colegas actores, así como también aquellas que tomó mientras servía como asesor para refugiados de la ONU. El libro se titula «Yul Brynner: fotógrafo». Estudiante de música desde su infancia, fue también intérprete de guitarra y cantante. En los primeros días de su estancia en Europa, solía tocar y cantar canciones gitanas en clubs nocturnos de París, junto a Aliosha Dimitrievitch. Cantó algunas de estas canciones en el film Los Hermanos Karamazov. En 1967, él y Dimitrievitch editaron un álbum, «El Gitano y Yo».

Estuvo casado cuatro veces:

Con la actriz Virginia Gilmore entre 1944-1960; tuvieron dos niños llamados Yul Brynner II(1946) y Lark Brynner(1958).

Entre 1960-1967 estuvo casado con la modelo chilena Doris Kleiner; tuvieron una niña, llamada Victoria Brynner.

Entre 1971-1981 se casó con una activista francesa llamada Jacqueline de Croisset; no tuvieron hijos propios.

En 1983 se casó con la bailarina china Khaty Lee, su última esposa.

Tuvo un romance además con la actriz Marlene Dietrich, en los años 50. Y por supuesto diversos romances “no oficiales”. En sus últimos años, se rumorea (seguramente leyenda urbana) que sufría de impotencia debido a la ingestión de un cochinillo intoxicado.

Yul Brynner contrajo un cáncer al pulmón (era fumador empedernido) y el 10 de octubre de 1985 falleció, a pesar de haber luchado por dejar el vicio. En enero de 1985, nueve meses antes de su muerte, dio una entrevista en el programa televisivo estadounidense Buenos Días, América, expresando su deseo de hacer un anuncio contra el tabaquismo. Un clip de esa entrevista se convirtió en un anuncio público por la American Cancer Society; fue estrenado después de su muerte. En él, dice «Ahora que me fui, te digo: no fumes». Fue su mensaje triste y póstumo de algo que sabía irreversible. Me llama la atención el filme «Almas de metal» (Westworld) de 1973, una estupenda película clásico de Ciencia ficción en donde claramente hace un meritorio guiño a la figura de Chris Adams, su personaje en los 7 Magníficos.

Sus restos descansan en una abadía de Luzé, cerca de Poitiers (Francia), llamada Saint-Michel-de-Bois-Aubry.

SU FILMOGRAFÍA:

Puerto de Nueva York (Port of New York) (1949)

El rey y yo (The King and I) (1956) -Premio de la academia: Mejor Actor.
•Los diez mandamientos (The Ten Commandments) (1956)
•Anastasia (Anastasia) (1956)
•Los hermanos Karamazov (The Brothers Karamazov) (1958)
•Los bucaneros (The Buccaneer) (1958)
•Rojo atardecer (The Journey) (1959)
•El ruido y la furia (The Sound and the Fury) (1959)
•Salomón y la reina de Saba (Solomon and Sheba) (1959)
•Volverás a mí (Once More, with Feeling!) (1960)
•El testamento de Orfeo (Le testament d’Orphée, ou ne me demandez pas pourquoi!) (1960)
•Una rubia para un gángster (Surprise Package) (1960)
•Los siete magníficos (The Magnificent Seven) (1960)
•No me digas adiós (Goodbye Again) (1961) (extra en escena del nightclub)
•Fuga de Zahrain (Escape from Zahrain) (1962)
•Taras Bulba (Taras Bulba) (1962)
•Los reyes del sol (Kings of the Sun) (1963)
•Patrulla de rescate (Flight from Ashiya) (1964)
•Invitación a un pistolero (Invitation to a Gunfighter) (1964)
•Morituri (Morituri) (1965)
•La sombra de un gigante (Cast a Giant Shadow) (1966)
•Las flores del diablo (Poppies Are Also Flowers) (1966)
•El regreso de los siete magníficos (Return of the Seven) (1966)
•Triple Cross (Triple Cross) (1966)
•Mi doble en los Alpes (The Double Man) (1967)
•La leyenda de un valiente (The Long Duel) (1967)
•Villa cabalga (Villa Rides) (1968)
•La huella conduce a Londres (The File of the Golden Goose) (1969)
•La batalla del río Neretva (Bitka na Neretvi) (1969)
•La loca de Chaillot (The Madwoman of Chaillot) (1969)
•Si quieres ser millonario no malgastes el tiempo trabajando (The Magic Christian) (1969) (Cameo)
•Adiós, Sabata (Indio Black, sai che ti dico: Sei un gran figlio di…) (1971)
•La luz del fin del mundo (The Light at the Edge of the World) (1971)
•Romance de un ladrón de caballos (Romance of a Horsethief) (1971)
•El oro de nadie (Catlow) (1971)
•El turbulento distrito 87 (Fuzz) (1972)
•El serpiente (Le serpent) (1973)
•Almas de metal (Westworld) (1973)
•Nueva York, año 2012 (The Ultimate Warrior) (1975)
•Con la rabia en los ojos (Con la rabbia agli occhi) (1976)
•Mundo futuro (Futureworld) (1976) Ultima película.
•Lost in the Revolution (1980)-narrador

Teatro:

•Noche de reyes
•The Moon Vine
•Lute Song
•The King and I
http://es.youtube.com/watch?v=t0vqQjaXLOU
A veces en los largos descansos de rodaje preparaba parrilladas, era un cocinillas 😉

12- Bravos, Tasso. Personaje interpretado por Al Mancini, lamentablemente ha fallecido recientemente, concretamente falleció en Ohio el 12 de Noviembre de este pasado 2007. Curiosamente él era el número 12 en “Los doce del patíbulo”. Falleció en el mismo sitio donde nació y le faltaba un día para cumplir los 75 años de edad.
Prácticamente toda su vida la empleó en trabajar para la televisión, la pequeña pantalla fue su medio. También mucho teatro, gran amante de la literatura, fue un ferviente quijotesco, e incluso interpretó a Don Quijote en alguna obra teatral y para la tv en 1959. Fue prolífico en papeles de aspecto latino, debido a su ascendencia italiana, Su último trabajo fue en «Joan of Arcadia» en 2005.

Descanse en paz.

11-Franckie, Victor. Lo del nombrecito tiene miga. En realidad el personaje de John Cassavetes se llama Victor Franko, pero la cinta al llegar en la España de finales de los 60… como que el apellido sonaba “muy familiar” y a la fuerza tuvieron que cambiarlo, de ahí lo de “Frankie”.

Nace en Nueva York. Sus padres, Nicholas John Cassavetes y Catherine Demetri, eran inmigrantes griegos. Creció en Long Island y estudió en el instituto en Nueva Jersey antes de entrar en la academia de artes dramáticas (American Academy of Dramatic Arts). Tras su graduación en 1950, actuó en el teatro, en papeles secundarios en películas y en series de televisión.

Cassavetes se casó con la actriz Gena Rowlands. Hacia 1956, comenzó a enseñar el “método” en talleres en Nueva York. Un ejercicio de improvisación le dio la idea para lanzarse a su primer largometraje, Shadows (1959) En la que trabaja otro de los integrantes del patíbulo, Ben Carruthers. Cassavetes obtuvo los fondos de familia y amigos; así como del programa de radio “Night People”.
Cassavetes fue incapaz de conseguir que ninguna distribuidora americana lanzase Shadows, así que probó fortuna en Europa, donde consiguió el premio de la crítica en el Festival de Venecia. Los distribuidores europeos llevaron posteriormente la película a Estados Unidos como si se tratara de una importación.
A pesar de que su distribución en América no fue muy amplia, consiguió llamar la atención de los estudios de Hollywood. Cassavettes dirigió dos largometrajes en Hollywood a comienzos de los años 60: Too Late Blues y A Child is Waiting

Mientras tanto, su carrera como actor continuaba de forma exitosa: The Dirty Dozen (1967), por la que fue nominado al Oscar al Mejor Actor de Reparto; y en Rosemary’s Baby (1968) de Roman Polanski Otras películas: The Killers de Don Siegel y The Fury (1978).
Su siguiente película como director (la segunda de forma independiente a los estudios) fue Faces; protagonizada por su mujer, Rowlands, y por John Marley, Seymour Cassel y Val Avery. Muestra la desintegración de un matrimonio moderno. Fue nominada a tres Oscars: Mejor Guión Original, Mejor Actor de Reparto y Mejor Actriz de Reparto.
Husbands (1970) está protagonizada por el propio Cassavetes, Peter Falk y Ben Gazzara. Interpretan a un trio de hombres casados viajando por Nueva York y Londres tras el funeral de uno de sus mejores amigos. Minnie and Moskowitz, que trata de una pareja formada por dos amantes muy diferentes, es interpretada por Rowlands y Seymour Cassel.

La etapa dorada–
En los años 70, realiza sus tres grandes obras maestras: A Woman Under the Influence (1974), The Killing of a Chinese Bookie (1976) y Opening Night (1977). Todas ellas fueron producidas independientemente.
Rowlands fue nominada al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su trabajo en A Woman Under the Influence; al mismo tiempo que Cassavetes era nominado al Mejor Director.

En The Killing of a Chinese Bookie, podemos ver a Ben Gazzara interpretando el papel de Cosmo Vitelli, un propietario de un pequeño club de strip-tease que es presionado por unos gangsters a cometer un asesinato para poder pagar sus deudas.
En Opening Night, podemos ver a Gena Rowlands junto a Cassavetes como los protagonistas, con Ben Gazzara y Joan Blondell. Rowlands retrata a una estrella cinematográfica, venida a menos con los años, que trabaja en el teatro y sufre una crisis personal. Según Laurence Gavron, Cassavettes trabajó en el guión durante años, refinándolo y alterándolo. La producción costó más de 1,5 millones de dólares y se necesitó más de un año para terminarla. La primera versión duraba 5 horas y finalmente, tan sólo una copia de la versión final fue distribuida en los Estados Unidos.

Posteriormente, en la década de los 80, llegaron Gloria (1980), Love Streams (1984) y, la que sería su última película, Big Trouble (1986). Cassavetes murió de cirrosis hepática en 1989 con 59 años. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Angeles, California.
Rowlands continuaba vida y habían tenido tres hijos. Su hijo, Nick Cassavetes continuó con sus pasos como actor (Face/Off) y director (John Q).

Improvisación–

El papel de la improvisación en las películas de Cassavetes generalmente es malinterpretado. Sus filmes – con excepción de la primera versión de Shadows – tenían un sólido guión. Cassavetes permitía, sin embargo, llevar sus propias interpretaciones de los caracteres a la escena. La escena en general estaba escrita pero la actuación no. Cassavetes también era receptivo a la hora de tomar una nueva dirección si era sugerido por el actor.

Filmografía selecta–

Como director:

Shadows (1959)
Too Late Blues (1961)
Ángeles sin paraíso (A Child Is Waiting) (1963)
Caras (Faces) (1968)
Maridos (Husbands) (1970)
Minnie and Moskowitz (1971)
Una mujer bajo la influencia (1974)
The Killing of a Chinese Bookie (1976)
Opening Night (1977)
Gloria (1980)
Corrientes de amor (Love Streams) (1984)
Big Trouble (1986)

Como actor:

Edge of the City (1957)
The Killers (1964)
The Dirty Dozen (1967)
Rosemary’s Baby (1968)
Maridos (1970)
Two-Minute Warning (1976)
Mikey and Nicky (1976)
The Fury (1978)
Whose Life Is It Anyway? (1981)
Tempest (1982)

Descanse en paz–

10-Jiménez, Pedro. El simpático cantante de ascendencia mexicana y nacido en Texas Trini Lopez.

Trinidad ‘Trini’ López nació en Dallas, Texas, en el seno de una familia muy pobre y tuvo que dejar la escuela secundaria para ayudar a su familia. Su padre le pegaba porque no le gustaba las compañías que frecuentaba muchachos que se consideraban “malos”; pero después lo sintió y compró una guitarra para su hijo. López dijo que fue un castigo que cambió su vida. El comenzó tocando la guitarra y cantando canciones folclóricas y ganó mucho éxito en su barrio. Un agente lo escuchó y le prometió grabar un disco si López cambiaría su nombre a algo más ‘americano’. López le hizo caso, pero el agente cambió su opinión y le ofreció un contracto. López también era actor; e hizo todo lo posible para abrirse un hueco. Se presentaba a todos los castings que podía, hasta que logró hacer de extra en algunos episodios de “Adam-12”, serie policíaca de éxito en aquella época. Fue en las películas “Marriage on the Rocks” con Frank Sinatra y Dean Martin, cuando vió recompensado su esfuerzo y “The Dirty Dozen” con Lee Marvin, su lanzamiento definitivo. También hizo una película contra las drogas para las Naciones Unidas, “The Poppy is also a Flower”, que fue escrito por Ian Fleming y también tenía Yul Brenner, Grace Kelly, Marcello Mastroiani, y Omar Sharif.

Trini López todavía hoy se presenta en conciertos y otros eventos públicos. Tiene su público, y sobre todo el respeto ante la historia de un hombre que representa el esfuerzo con mayúsculas, todo un ejemplo.

Podeis visitarlo actualmente en su propia web:
www.trinilopez.com

9- Wladislaw, Joseph. Qué decir del actor secundario por excelencia, uno de los más grandes secundarios de la historia, Charles Bronson (3 de noviembre de 1921 – 30 de agosto de 2003)

Interpretaba papeles de «hombre rudo». En la mayoría de sus actuaciones interpretaba a brutales detectives policíacos, pistoleros, vigilantes, boxeadores o «matones».
Comenzó su carrera de actor a principio de los años cincuenta en pequeños papeles sin acreditar. En esta etapa llevaba el nombre de Charles Buchinski y en uno de los primeros papeles que se le vio fue en la legendaria película de terror Los crímenes del museo de cera (1953) de Andre De Toth, en la que curiosamente hacía de mudo. Continua haciendo papeles secundarios y apariciones en series de televisión para curtirse e ir consiguiendo mayor relevancia a nivel profesional.

Destacan sus trabajos como secundario en westerns como «Veracruz» (1954) de Robert Aldrich, «Jubal» (1955) de Delmer Davis ó «Yuma» (1957) de Sam Fuller, en esta última haría el rol de indio, que su peculiar rostro le haría interpretar en otras ocasiones. A finales de los cincuenta trabaja en otro western, esta vez con Roger Corman, el llamado rey de la serie B, «Michine Gun Kelly», donde interpreta su primer protagoista en la gran pantalla. Además participa en capítulos de importantes series de televisión, hasta que en 1960 es elegido para ser uno de los Siete magníficos de John Sturges, junto a Steve McQueen, James Coburn o Eli Wallach, lo que inició su popularidad.
En 1961 volvería a trabajar con Corman para una floja adaptación de Julio Verne, «El amo del mundo» (de William Witney, y aparecerá en la película «Piso de lona» (1962, Phil Karlson) realizada para la mayor gloria de Elvis Presley, pero volverá a ser John Sturges, quien le consolidará como un héroe de acción cuando le llama para ser uno de los protagonistas de la fuga de la gran evasión, junto a Steve McQueen y James Coburn otra vez. Luego trabaja con Robert Aldrich en la disparatada comedia del oeste «Cuatro tíos de Texas», donde es el villano que no deja de acosar a Frank Sinatra y Dean Martin.
Aunque trabaja con directores importantes como Vincent Minelli o Sidney Pollack, su papeles en estas producciones siempre son de secundario, siendo las películas que protagoniza siempre de artesanos menores, continua apareciendo en series importantes como «El fugitivo» ó «El virginiano», y en 1967, volvería a destacar en una película coral y polémica por ser considerada como una apología de la violencia, en este caso se trata de la película de Aldrich, doce del patíbulo.

En 1968 sigue los pasos de Clint Eastwood y emigra a Europa para protagonizar un nuevo western de Sergio Leone, “Hasta que llegó su hora” al lado de Henry Fonda y Claudia Cardinale. También en Europa volvería a trabajar con John Sturges en la película «Caballos salvajes». Pero el western que más marcaría su carrera en estos momentos sería “Chato el apache” (1971), no tanto por la película en si sino porque comienza su colaboración con el director Michael Winner que será fructifera en los siguientes años. En el mismo año de 1972 rodará un exitoso thriller: Friamente, sin motivos personales, también con Michael Winner, en la que sería una de sus películas más recordada. Pero las películas que fama iban a dar al tandem Winner-Bronson serían las del Justiciero de la ciudad, saga de películas en que Bronson interpretaría a Paul Kersey, y que comenzarían en 1974 con el «Justiciero de la ciudad», continuaría en «Yo soy la Justicia» de 1982 y «El Justiciero de la noche» de 1984. Cintas de gran taquillaje aunque criticadas por su falta de calidad. Charles Bronson volvería a retomar el papel de Kersey en otras tres películas, «Yo soy la justicia II» y «El Rostro de la muerte», la primera dirigida por el veterano Jack Lee Thompson y la otra por Allan A. Goldsmith. Pese a su éxito, estas cintas no añadían nada a la filmografía del actor, que hizo sus mejores actuaciones de los 70 en títulos como «Nevada express» (1975, Tom Gries), «El luchador» (1975, Walter Hill) y «Sucedió entre las 12 y las 3» (1976, Allan D. Goldstein), todas junto a su esposa en la vida real y recurrente pareja en el cine Jill Ireland, «El temerario Ives» (1976, J. Lee Thompson) junto a Jacqueline Bisset o «Teléfono» (1977, Don Siegel) al lado de Lee Remick. En 1972 con el director Terence Young, responsable de las primeras películas de la serie Bond, protagoniza «Los secretos de la cosa nostra» (también llamada «Los papeles Valachi»), surgida dentro de una respuesta del cine europeo a la moda de películas sobre la mafia comenzada por El Padrino (y que engloba también a «Lucky Luciano» (1973), por ejemplo). En 1980 trabaja en Cabo Blanco, una especie de remake de Casablanca, donde Charles Bronson hacía el rol que hicera Humprhey Bogart en la película original, aunque la película no funcionó. Fue su segunda colaboración con el menospreciado pero interesante director J. Lee Thompson, con quien ya había trabajado en la «Caza del Buffalo Blanco», y con quien volvería a trabajar en varias películas en las que interpretaba el mismo tipo duro de siempre y que poco nuevo aportaban a su carrera («La ley de Murphy», «Mensajero de la muerte» y «Prohibido en Occidente»). En 1990 trabajaría en su última película importante: «Extraño vínculo de sangre», que supuso el debut en la dirección del actor Sean Penn.

En definitiva, un actor que siempre estuvo allí, para, simplemente hacer historia. “Los siete magníficos”, “Doce del patíbulo”, “La gran evasión”… casi nada.
Conozco a alguien que una vez lo vió paseando por Madrid, me dijo que verlo caminar sencillamente IMPRESIONABA.
Descanse en paz.–